Minimalismo en UX (5/7) - De Europa a Nueva York, la vanguardia minimalista

Abstracción geométrica y contenido mínimo de arte.

Esa corriente artística nacida en el Nueva York de los años 60 y que recibió el nombre de minimalismo puede enlazarse en un recorrido que empieza en las vanguardias europeas de principios del siglo XX y continúa al otro lado del Atlántico en los años 40.

Este recorrido bajo diferentes expresiones tiene un nexo común: la restricción del arte a sus elementos primordiales y la opción por expresar alternativas a la realidad convencional mediante la abstracción geométrica.

Chart by Alfred H Barr.jr (1936) Portada del catálogo de la exposición del MoMA de 1936, “Cubismo y arte abstracto”. Diagrama [Ilustraba la influencia de diferentes estilos en el arte abstracto.]

Herencia europea: eje París- New York

En 1930 la abstracción geométrica fusionaba aspectos de las diferentes vanguardias: cubismo, futurismo, de Stijl, constructivismo, la Bauhaus, el arte de Mondrian, el de Kandinsky y el surrealismo. En este momento era ya mas un estilo y una reacción a los movimientos precedentes que una vanguardia radical.

El centro europeo del arte volvía a instalarse en París en los años 30 después de haber atravesado media Europa ( Italia , Rusia, los Países Bajos y Alemania )

En esta década surgen varios grupos que intentan acercar al público el papel del arte abstracto desde una pluralidad de enfoques.

En 1930 Cercle et Carre con la publicación de una revista de 3 números y una exposición.
Arte concreto como la respuesta de Theo van Doesburg al eclecticismo del primero con un solo numero (posteriormente seria retomado por Los concretos de Zurich .
Abstracción-Creación en 1932 y duraría hasta el 36

Después del estallido de la Segunda Guerra Mundial, muchos artistas europeos se fueron a Estados Unidos y el centro de interés en el arte se desplazó a Nueva York.

La difusión de manifestaciones de la abstracción geométrica en Estados Unidos tubo numerosas vías, las mas importantes:

American Abstract Artists fundada en 1937.
Las actividad es de la Société Anonyme de Katherine Dreier (fundada con Marcel Duchamp y Man Ray).
La llegada de artistas europeos que se mantuvieron activos como profesores durante las las décadas de 1940 y 1950.
La labor pedagógica de Josef Albers en Black Mountain College y más tarde en Harvard y Yale.
Vaclav Vytlacil y Carl Holty, enseñando en Nueva York, crearon un vínculo entre los estilos de los años treinta y cincuenta.

Josef Albers, Vaclav Vytlacil y Carl Holty: representantes del vínculo entre la abstración de la vieja Europa y el Nuevo Mundo.

Desarrollo americano

En la línea de la abstracción geométrica se sucedieron diferentes manifestaciones durante las décadas de 1940 y 1950 pero el verdadero protagonista en este periodo fue un lenguaje genuinamente americano: el expresionismo abstracto.

Todavía dentro de la abstracción a mediados de los de los cincuenta e inicios de los sesenta empieza a producirse una ruptura con la parte mas expresionista. Algunos de los estilos que nacen como respuesta al mismo fueron: Escuela del Color de Washington, Pintura Hard-edge, Abstracción geométrica , Color field y por supuesto el minimalismo.

Surgimiento del minimalismo

Precendentes

Una serie de obras se anticipan a lo que se reconocen oficialmente cono el origen del movimiento:

Los lienzos de Barnett Newmann de 1948 pintados tras la muerte de su padre que consistían en una estrecha franja de color sobre un fondo plano
Los cuadros de banderas de Jasper Johnns
Las pinturas simétricas y monocromas de Ad Reinhardt e Yves Klein
Los lienzos blancos de Robert Rauschenberg
Las pinturas de enrejados de Agnes Martín

Barnett Newman.(1948). Unidad uno. MOMA, Nueva York.

Jasper Johns. (1963). Tres banderas. MOMA, Nueva York.

Yves Klein. (1961). Azul monocromo. MOMA, Nueva York.

Robert Rauschenberg. (1951). White Painting (three panels). MOMA, Nueva York.

Agnes Martin. (1963). Stars. Guggenheim Museum, Nueva York.

Primeras obras: Lo que ves es lo que ves

«Todo lo que quiero que alguien obtenga de mis [trabajos] y todo lo que obtengo de ellos es el hecho de que puedes ver la idea completa sin ninguna confusión. Lo que ves es lo que ves«. –Frank Stella, 1964

Frank Stella. (1949). La bandera en alto. Whitney Museum of American Art, Nueva York.

Frank Stella. (1959). 16 Americans [2 de las 4 pinturas negras para la exposición 16 Americans]. Moma Nueva York.

En 1958 un joven Frank Stella recién graduado de la Universidad de Princeton se mudó a Nueva York.

Vinculado inicialmente a la escena del impresionismo abstracto tomara posteriormente el rumbo de la abstracción geométrica que le lleva al minimalismo. En sus Pinturas Negras (1958-1960) utilizó la la misma pintura comercial y pinceles que usaba en su trabajo diario como pintor de casas para pagar el alquiler. Este material estandarizado le servía para reducir la pintura a sus elementos mas básicos, como había pasado antes con el constructivismo desaparecía la huella del artista y la expresión personal.

Estas pinturas seguían esquemas geométricos, repetitivos opuestos a los trazos libres del expresionismo abstracto. Eran impersonales, regulares y uniformes. Trabajando a mano alzada en esmalte negro directamente del bote al lienzo. No existía nada mas que una superficie plana con pintura, ningún significado oculto o simbolismo, ninguna referencia a nada que no fuese la propia pintura. La expresión de Stella «Lo que ves es lo que ves» se convertiría en el mantra del movimiento.

A pesar de la famosa frase no se trataba de mera apariencia. Existía una intención, un proceso intelectual de fondo. Su primer volumen de escritos ya se había impreso antes de la presentación de las famosas pinturas. Stela no se avergonzaba de sus intenciones intelectuales, sus pinturas pretendían reconsiderar y cuestionar la naturaleza creativa e individual del arte.

Frank Stella. (1962-1963). Harran II. Museo Guggenheim, Nueva York.

Frank Stella. (1967). El dilema de Jasper. Galería Nacional de Arte Washington, D.C.

Primeros escritos sobre el minimalismo

Muchos de los artistas minimalistas habían recibido formación académica en artes y teorizaban sobre su propio trabajo. Donald Judd por ejemplo a principios de los 60 era mas conocido cono crítico que como artista. Este tipo de formulaciones encajaban en el floreciente debate artístico alimentado por un mercado en expansión debido al éxito comercial del expresionismo abstracto, la pintura de campos y el arte pop.

Varios artistas publicaron artículos durante ese período, que ayudaron a dar forma y definir el movimiento de arte minimalista. Las divergencias en sus planteamientos son una muestra de la diversidad del movimiento. En el que todos los artistas implicados rechazaban la idea de formar parte de un todo coherente.

Specific Objects 1965 de Donald Judd

Introduce la idea de un nuevo arte que ya no es ni escultura ni pintura.
Rechaza el ilusionismo de la pintura convencional que falsea la percepción a favor de crear objetos en un espacio tridimensional utilizando para ello principios de composición simples y muchos materiales y colores.
Su objetivo es centrarse en el espacio ocupado y creado por sus objetos, en otras palabras, su pureza de forma.
El arte ya no debería ser representacional, argumenta, ni pretender describir la emoción humana. Debería ser simplemente arte.

Notes on Sculpture (1966) de Robert Morris

Defiende la escultura como una cosa en si misma , que no era un soporte , no era simbólica ni ilusionista.
Enfatiza la importancia de la relación de la obra de arte con el espectador.
Al despojar a los objetos de cualquier rasgo representativo o histórico se intensifica la experiencia del espectador con la forma pura.

Paragraphs on Conceptual Art (1967) Sol LeWitt

En el arte conceptual la idea es el componente principal de la obra de arte y todo lo demás es secundario.
La forma física es solo la forma de transferir el mensaje.
La obra de arte exitosa no depende de las habilidades artesanales de un artista. Transmitir un mensaje es posible a través de medios y formas simples Por lo tanto, la estructura y la complejidad de la forma no son los objetivos. De hecho, un artista corre el riesgo de perder el objetivo inicial de su obra haciéndola compleja y atrapante, “rompiendo la unidad del todo”.
La voluntad de un artista es secundaria al proceso que inicia, desde el momento en que surge una idea hasta la etapa de finalización del producto. El capricho personal conduce a la subjetividad y expresa sólo el ego del autor. Trabajar con un plan preestablecido es una forma de evitar la subjetividad, ya que “el plan diseñaría el trabajo”.

Consagración

Un punto clave para el movimiento de arte minimalista fue la exposición colectiva titulada ‘Estructuras primarias‘, que presentaba obras de Dan Flavin, Sol LeWitt, Robert Morris, Donald Judd y Tony Smith. Celebrada en el Museo Judío de Nueva York en 1966, esta exposición resultó ser un éxito de crítica y medios.

Las obras de arte que componían esta exposición estaban compuestas por materiales desnudos, casi desnudos, con una superficie lisa y brillante.

El minimalismo formalmente

Richard Wolheim.

En 1965, el filósofo Richard Wollheim acuñó el término Minimal Art en un artículo para la revista Arts Magazine. El termino minimalista hacia referencia a que las obras de estos artistas tenían un «contenido mínimo de arte«. Estas obras se elaboraban como el trabajo de arquitectos o diseñadores planificando las obras en papel, empleaban materiales manufacturados sin implicarse directamente en el trabajo real con la obra.

Pese al rechazo inicial por ser incluidos bajo esa denominación. De los muchos nombres que recibió este movimiento: arte ABC, arte reduccionista, arte literal, arte idiota.. fue el termino minimalismo el que acabo perdurando.

En 1968 el libro de Gregory Battcock Minimal Art: A Crititical Anthology amplio el debate sobre lo que se consideraba o no minimalismo. Este acabó expandiéndose a otras actividades como las coreografías de Yvonne Rainer, la música de Phillip Glass, Michael Nyman, ; las novelas de Raymond Carver , Ernest Hemingway ; el diseño de John Pawson. Posteriormente el cine, la moda, la cocina y hasta una actitud vital.

Pese a la diversidad de planteamientos es frecuente establecer una serie de características comunes en las artes plásticas:

Extrema simplicidad de formas (únicas o repetitivas ).
Emplea tan pocos elementos como resulta posible.
Bordes duros, planos rígidos y generalmente tonos fríos.
Los materiales son de tipo industrial (paneles de madera, planchas metálicas, formica, plexiglás, vidrio, ladrillos, vigas, tubos de neón fluorescente…) vinculados a la forma.
Los colores respetan los del material o se simplifican.
Monocromatismo (mayoritariamente: blanco, gris y negro).
Composiciones regulares y sin jerarquía.
A menudo producidas industrialmente o por personal cualificado al servicio del autor en detrimento de la artesanía. El artista no es visible.
Falta de simbolismo manifiesto y contenido emocional. Deshacerse de la expresión.
Autorreferencia, en lugar de referierse a otra cosa, eran estructuras libres, independientes por sí mismas.